Máster
Dibujo Digital y Animación 2D
con Adobe Photoshop y Toon Boom para Editorial y TV

Un buen dibujante debe conocer la estructura base de un cuerpo humano, saber cómo moverlo, su anatomía de superficie, entender cómo funciona y cómo deformarlo.

Una vez dominamos los principios anatómicos, es hora de jugar con ellos.

La simplificación de las formas de nuestros personajes es uno de los recursos clave.

Adaptarse a cualquier estilo de dibujo que te pidan es la clave. Aprender a tener control del estilo: La ilustración clásica, el cómic americano, el europeo y el manga. Dibujar para animación, para cine, para videojuegos, hacer caricaturas…

La composición trata de ordenar visualmente los elementos de una escena, de modo que faciliten su lectura al espectador, resalte lo importante, y evite que lo menos relevante distraiga, sino que complemente.

El 50% del dibujo consiste en saber colocar los elementos importantes de la imagen en el lugar adecuado, para que el lector o espectador comprenda el mensaje que se quiere transmitir.

Las técnicas de pintado: saber manejar el lápiz de grafito, los rotuladores de ilustración, el entintado con tinta china, la aguada, la acuarela (pincel seco y húmedo) y el arte digital (vectorial y matricial) con Photoshop.

Saber contar una historia con imágenes, no sólo es dibujar bien, sino transmitir todo lo que tienes en tu cabeza.

El ritmo, el viñeteado correcto, la selección de los instantes, caminos visuales, bocadillos de texto, ver los estilos narrativos (el oriental y el occidental).

Animar es crear la ilusión en el espectador de que nuestros personajes están vivos y sienten: se alegran, enfurecen, desean, se frustran, se comunican entre ellos…

El entretenimiento del espectador se basa en buenas historias, transitadas por personajes bien construidos. Como animadores, debemos presentar con claridad y eficiencia la evolución emocional de nuestros personajes.

Animar para videojuegos supone un buen control de la mecánica del cuerpo ya que las acciones físicas son esenciales en este medio.

Las animaciones se enlazan mediante ciclos de acciones que se encadenan y forman acciones complejas.

Es algo fundamental, y no es fácil que te enseñen.

Conocer cuáles son las herramientas creativas, y cómo trabajar la búsqueda de la inspiración: saber leer referencias y tendencias actuales. Y lo más importante, nuestra aportación como artistas.

Debemos aprender a ordenar y dar una forma clara a nuestra visión personal del mundo, a nuestras ideas, para comunicarlas de forma profesional.

Las herramientas digitales mejoran el proceso de aprendizaje. Serás más rápido y corregirás tus obras con la facilidad con la que lo hacen los profesionales.

Pintar en digital te permite experimentar con el peso de tu trazo, y disfrutar con las sutilezas del color o el espesor de línea, con solo presionar más o menos el lápiz digital.

Los trazos se verán naturales, porque les afecta la presión e inclinación de tu lápiz. Lo que puedes llegar a hacer es alucinante.

La estética es el recurso más potente del que disponemos para captar la atención del espectador.

Es lo primero que nos «entra por los ojos» cuando vemos una ilustración, es lo que nos cautiva o emociona. Gran parte de las reglas que nos guían para conseguir piezas bellas, son muy conocidas, y las trabajaremos en profundidad durante el máster.

Pero debemos ir un paso más allá. El gusto estético fluctúa entre lo personal y lo común, entre lo aceptado y lo innovador, es lo que hace que los cómics se vendan, las películas triunfen, los video-juegos se agoten o que los cuadros se expongan… el creativo que entiende sus leyes y domina sus normas, controla su trabajo.